este mes

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Desde sus inicios, el Museo Guggenheim Bilbao ha ido desarrollando una colección de significativas obras de arte, partiendo de la segunda mitad del siglo xx hasta llegar hasta nuestros días.

De entre las que en la actualidad conforman estos fondos, algunas destacan por ser iconos de la contemporaneidad, obras que cuando se mostraron por primera vez no dejaron al público indiferente y que, con el paso del tiempo, han afianzado su posición convirtiéndose en auténticos referentes del arte contemporáneo.

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao brinda al público la oportunidad de contemplar una selección de estas piezas, en la que destacan, por ejemplo, la icónica imagen de Marilyn Monroe repetida una y otra vez por Andy Warhol, frente a la expresividad que domina el gran lienzo serigrafiado de Robert Rauschenberg Barcaza, o los Nueve discursos sobre Cómodo de Cy Twombly.

El artista alemán Anselm Kiefer o el estadounidense Jean-Michel Basquiat, también están presentes en esta muestra con trabajos destacados, mientras que las esculturas de los maestros vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza se muestran enmarcadas en su contexto internacional.

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Milton Glaser. Carteles

Sala 32. Museo Bellas Artes de Bilbao

Del 8 de febrero al 26 de junio de 2022

Milton Glaser. Ahora puedes ver la obra de este icónico diseñador en Bilbao.

A lo largo de los últimos años el Museo de Bellas Artes de Bilbao ha recibido mediante diversas donaciones un destacado conjunto de carteles que ha ampliado significativamente el extenso fondo que de esta disciplina artística conserva el museo.

Esta exposición monográfica da a conocer ahora una veintena de carteles representativa del trabajo de Milton Glaser (Nueva York, 1929-2020), seleccionados de entre los 48 de este autor que han sido donados por un coleccionista particular en 2013, 2020 y 2021.

Abarca tres décadas y media de su trabajo -desde 1976 hasta 2011- y muestra el amplio abanico de intereses que caracterizó la carrera de este icónico diseñador: carteles que van desde el propósito comercial o conmemorativo hasta el activismo en favor de los derechos humanos o el medio ambiente.

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Jean Dubuffet: ferviente celebración

Al final de la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet (1901–1985) comenzó a exponer sus pinturas, que desafiaban los valores estéticos más arraigados.

Rechazando los principios de decoro y belleza clásica, así como cualquier pretensión de pericia técnica, Dubuffet se centró en lo ordinario y en lo que a menudo pasa desapercibido, empleando en su obra materiales vulgares, temas prosaicos y un estilo que rehúsa todo signo externo de formación académica.

Con esta visión, Dubuffet se enfrentaba a las normas, que, en su opinión, dificultaban la expresión auténtica y menospreciaban la experiencia cotidiana.

Sin embargo, su objetivo no solo era revelar cuán anticuadas estaban las convenciones culturales, sino también ilustrar la vitalidad de una existencia libre de ellas.

En una ocasión, el propio Dubuffet afirmó: “Me gustaría que la gente viera mi trabajo como una recuperación de valores desdeñados y [. . .], no se equivoquen, como una obra de ferviente celebración”.

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UNA VOZ PARA ERAUSO. EPÍLOGO PARA UN TIEMPO TRANS

Azkuna Zentroa, Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao, ultima la producción de “Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans” del colectivo artístico Cabello/Carceller (Helena Cabello y Ana Carceller) y comisariado por Paul B. Preciado. La nueva exposición del Centro se mostrará en la Sala de Exposiciones entre el 10 de marzo y el 25 de septiembre.

Pone en relación la construcción del relato histórico con las políticas queer y trans contemporáneas. A través de su trabajo interdisciplinar, Cabello/Carceller utiliza la instalación, la performance, el relato de ficción y el vídeo para cuestionar las representaciones hegemónicas en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas.

El proyecto se inició con el encuentro de las artistas con un retrato tan fascinante como insólito: el que (probablemente) Juan van der Hamen realizó de Catalina de Erauso vestido de alférez de la marina colonial española en 1626, y que pertenece hoy a la colección Kutxa. Erauso, que nació en Donostia en 1592 y al que se asignó sexo femenino y se dio el nombre de Catalina, es a menudo más conocido como “la monja alférez”, en parte gracias a su autobiografía en la que narra las aventuras de una joven que se escapa del convento “vestida de hombre” y que recorre después como soldado y mercader (bajo los nombres de Francisco de Loyola, Juan Arriola, Alonso Díaz Ramírez de Guzmán… y Antonio Erauso, entre otros) las tierras colonizadas por el imperio español desde Chile hasta México.

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MONIRA AL QADIRI: CUARTO SAGRADO

10 de marzo, 2022 – 12 de junio, 2022

Monira Al Qadiri situa su investigación en un lugar del desierto arábigo, casi intacto por la actividad humana, y se pregunta por los orígenes de la Tierra, el sentido de la vida humana y su conexión con el resto del universo

Al tiempo que rememora momentos recientes de historia colonial y explora la capacidad de las nuevas tecnologías para prever la evolución de nuestras sociedades.

Adéntrate en Cuarto Sagrado, la nueva exposición de la sala Film & Video del Museo Guggenheim Bilbao.

Cuarto sagrado nos lleva en un recorrido onírico a través de un inmenso enclave llamado Rub al-Jali y situado entre Arabia Saudita, Omán, los Emiratos Árabes Unidos y Yemen. La profundidad de las imágenes aéreas del filme es solo comparable a la de su banda sonora, compuesta por Fatima Al Qadiri, hermana y colaboradora habitual de la artista.

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Organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, este festival muestra las últimas novedades del género fantástico en la Sección Oficial, y la Sección Panorama FANTástico, complementándose con la proyección de películas clásicas y homenaje a los Maestros del Fant, documentales referentes del género, sesiones infantiles y sesiones de cortos.

Además, se entregará el premio Fantrobia a una figura emergente del cine fantástico y premios a los mejores trabajos a juicio del jurado y, en el caso de los cortometrajes, también del público asistente.

En esta ocasión, el Festival renueva su imagen y ha elegido rendir homenaje a un clásico indiscutible del cine de terror, Frankenstein, ya que, en este 2022, se celebra el 90 aniversario del estreno en el Estado de la película que el monstruo protagoniza.

Este personaje de ficción que apareció por primera vez en la novela homónima de Mary Shelley y que ha pasado, indudablemente, a formar parte de la cultura popular, es el protagonista del nuevo cartel de FANT. Para la realización de la sesión fotográfica del cartel se ha utilizado la máscara oficial de Trick or Treat Studios y Universal Studios, que, esculpida por Justin Mabry, se basa en el increíble maquillaje realizado por Jack Pierce y en la máscara que usó Boris Karloff en el film “El doctor Frankenstein”, de James Whale (1931). El logo de FANT también recoge la figura del personaje.

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El 10 de mayo se abre la exposición “Arquitecturas prematuras” del artista y arquitecto Isidoro Valcárcel Medina coproducida por Azkuna Zentroa y el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León).

Las “Arquitecturas prematuras” conforman la colección de propuestas de urbanización y edificación elaboradas por Valcárcel Medina entre 1984 y 1992 que buscaban, según sus propias palabras, “evidenciar la absoluta contradicción existente entre la realidad más inmediata del espacio urbano y las estructuras que pretendidamente lo configuran”.

A primera vista, las piezas parecen planos arquitectónicos con sus correspondientes soluciones técnicas, dibujos a mano de distintas edificaciones similares a las que se hacían en ese momento. Sin embargo, sus títulos – Torre para suicidas, Edificio para parados, Colonia de chabolas…- revelan que no son proyectos al uso, sino más bien propuestas conceptuales o irrealizables no por falta de desarrollo constructivo, sino porque necesitarían, para ser viables, otra época y otra mentalidad.

La exposición, comisariada por Kristine Guzmán, muestra una treintena de estos proyectos en los que el Premio Nacional de Artes Plásticas 2007 muestra la capacidad de la arquitectura para proponer otros modos de vida u otros usos de espacios, posibilitando debates que afectan a lo político y a la sociedad.

La exposición se completa con la publicación “Arquitecturas prematuras” que recoge por primera vez y de manera completa la totalidad de los proyectos sobre urbanismo y arquitectura ideados por Isidoro Valcárcel Medina, junto con las réplicas que el artista formuló de “El Arte de proyectar en Arquitectura”, de Ernst Neufert. La publicación “Arquitecturas prematuras”, disponible en formato caja con tres cuadernillos y editada en euskera-castellano-inglés está a la venta en dendAZ, la tienda del Centro y en dendAZ online.

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“El vicio de cantar 1965-2022”, la gira de Joan Manuel Serrat con la que se despedirá de los escenarios. “Tocaré y compondré en casa, es posible que grabe un disco. Pero no volveré a los escenarios”, así lo ha dicho el autor de “Mediterráneo” en una extensa charla que ha mantenido con Juan Cruz, y que recientemente ha sido publicada en el diario El País. 2022 en el Beacon Theatre de Nueva York, para después recalar en Sudamérica y finalmente regresar a España para la época estival, donde ofrecerá el primer concierto el 8 de junio en Murcia.

Les recomendamos que vengan con la suficiente antelación para agilizar el acceso del flujo de público a la sala.

Todos los asistentes debe adquirir entrada, incluidos adultos, niñas y niños, independientemente de la edad y de si ocupan butaca o no.

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La historia real de Hans en tres momentos (1945, 1957 y 1969) distintos periodos de encarcelamiento por prácticas homosexuales y también de su relación con Viktor, un asesino convicto. La película, por tanto, trata de la represión sobre los gays en la Alemania de la posguerra y también de los efectos de la prisión en las personas sometidas a ella.

La relación entre los dos hombres se presenta compleja; Viktor está enganchado a las drogas, se deja ayudar por Hans a pesar de su repulsión inicial y se produce un tímido acercamiento entre dos hombres muy diferentes. Con el paso del tiempo crece entre ellos una especial relación de intimidad.

Magníficas interpretaciones de los dos protagonistas.

Recibió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes.

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Hammamturgia

Societat Doctor Alonso, compañía escénica dirigida por Tomás Aragay (director de teatro y dramaturgo) y Sofía Asencio (bailarina y coreógrafa) presenta “Hammamturgia”.

Su último proyecto escénico que reflexiona sobre la “hammamturgia”, entendido como lo otro de la dramaturgia.

En las investigaciones realizadas, la compañía ha trabajado siempre con la noción de “código abierto”. “Trabajamos con unas pautas o reglas internas que se delimitan conceptualmente a través de la práctica, y con un desarrollo que afronta al público como un espacio liminal: la recepción será abierta y oscura al mismo tiempo, el público pasa por un estado de incertidumbre, ya que la comprensión de la obra se muestra de alguna manera encriptada por ese código”, reflexionan desde Societat Doctor Alonso.

En ese sentido, en el proyecto fijan unos parámetros de investigación para generar de nuevo un código interno. “Un código que gira en torno a las ideas de hammamturgia y ambiente, y que habrá de tener suficientes variables que sean legibles para el público y que dejen espacio para su imaginación” explican desde la compañía.

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Societat Doctor Alonso

Compañía dirigida por Tomás Aragay y Sofía Asencio, ha construido un lenguaje escénico inconfundible.

Sus espectáculos crean situaciones de tensión, surgidas de la libertad de reinventar las reglas dramatúrgicas y romper esquemas preestablecidos con una gran dosis de humor, inteligente y fresco.

Sara Baras es la máxima exponente del ballet flamenco a nivel mundial. Bailaora, directora y coreógrafa, es una de las representantes españolas más prestigiosas y reconocidas de las artes escénicas a nivel internacional.

La artista gaditana comenzó su andadura sobre los escenarios hace más de 30 años, y desde entonces no ha hecho más que cosechar éxitos. El Premio Nacional de Danza 2003, la Medalla de Oro de Andalucía 2004, el Olivier Award británico 2020 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2020 o figurar como la artista que más veces ha actuado en la historia del Theatre Champs-Elysées de París, con más de 200 funciones, son sólo algunos de los muchos logros que figuran en su carrera artística.

ALMA es un abrazo enorme, donde el flamenco abraza al bolero, y el bolero se deja abrazar por el flamenco, para hacerse seguiriya, soleá, caña, garrotín, bulería… las formas, los colores y la sensualidad agarradas de manera inexorable en un giro inesperado, la cadencia hecha girón, el amor a sacos rotos, vacío sobre la voz y la guitarra, y en las manos la magia y en los pies el destino. Alma es un guiño constante, una aventura en los recuerdos de melodías que nos acompañaron siempre.

ALMA es una creación de una marca singular, de una forma de entender la vida y llevarlo a compás, de componer todo alrededor de una manera de contemplar el mundo desde músicas totalmente nuevas con sonidos de siempre adaptados a los palos más tradicionales del flamenco.

Baile, música, vestuario, luces, texturas… el sabor de lo auténtico en el tiempo actual.

Flamencos con alma de bolero.

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Andrés Calamaro vuelve a los escenarios para presentarnos su TOUR 22. El multipremiado artista argentino, regresa con todos sus grandes éxitos. Andrés Calamaro, lanzaba el pasado junio su nuevo álbum “Dios Los Cría”, en el que revisita su excepcional discografía junto a varios de los más grandes artistas de la música popular latina, desde leyendas como Julio Iglesias en “Bohemio”, Raphael “Jugar con fuego” , “Flaca” con Alejandro Sanz, “Para no olvidar” con Manolo Garcia y Vicente Amigo o “Paloma” con artistas como Sebastian Yatra, Leiva, Iván Ferreiro, “Pasemos a otro tema” con Julieta Venegas, “Tuyo siempre” con Vicentico, “Engánchate conmigo” Juanes y Niño Josele entre otros grandes …

Con este álbum volvió a estar nominado en los Latin Grammy a Mejor Álbum Vocal Pop y con la Grabación del Año por el tema “Bohemio” junto a Julio Iglesias y se alzó con el Latin Grammy a la mejor canción con el tema Hong Kong con C. Tangana.

En “Dios Los Cría” Calamaro ha creado un álbum único e irrepetible, una reunión cumbre de talentos que dejarán una marca profunda en la música popular latina.

En esta nueva gira el artista repasará sus grandes éxitos acompañado de toda su banda. El repertorio será el gran protagonista de este nuevo tour.

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Nuevos paisajes sonoros y un mayor protagonismo de instrumentos acústicos, la última propuesta de un artista único.

Quique González presenta su nuevo disco, “Sur en el valle” (Cultura Rock / Varsovia Récords, 2021), título inspirado en ese viento famoso en toda la cornisa cantábrica, portador de sucesos y comportamientos insólitos y al que se asocian todo tipo de leyendas. Siempre hay un espacio para lo imprevisto cuando sopla el Sur, un halo de misterio que se extiende también a algunos pasajes de esta colección de canciones.

“Sur en el valle”, grabado en noviembre de 2020 en La Casa Murada y producido por Toni Brunet, es un disco reposado y de trago largo, más reflexivo que narrativo, en el que la naturaleza y los escenarios condicionan el diálogo interior que hila estas 11 nuevas canciones (y una pista escondida). Tiene un sonido orgánico, directo y una energía contenida que maneja una fantástica banda que pone especial atención a las dinámicas. Un poco más alejado de los sonidos a la americana de otros discos de Quique, “Sur en el valle” busca nuevos paisajes sonoros y otorga mayor protagonismo a instrumentos acústicos como el contrabajo y la guitarra clásica. Viejas acústicas Gibson, Wurlitzer y Hammond y elegantes baterías nos acompañan también en este viaje. Escrito en su mayor parte el pasado año dentro de una vieja furgoneta GMC Vandur aparcada en lo alto de una colina, ideal para escucharlo mientras conducimos y sentir que el viento sur nos brinda más preguntas que respuestas.

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Una casa solariega y blasonada en la que se reúnen un grupo de personas de la alta sociedad invitados por Nikolái, un poderoso terrateniente y hombre de mundo. En la mansión de Malmkrog en Transilvania, pasan las fiestas de fin de año y entre copiosas comidas y juegos de sociedad, mantienen profundas discusiones sobre la moral, la política, la muerte, el mal… Las horas pasan y las tensiones crecen.

Diálogos densos, temas y discursos más propios de un ensayo literario.

Pero hay cosas que la película aporta por encima del texto escrito. El silencio de la servidumbre es tan intenso como las conversaciones de los aristócratas que se desarrollan en francés y pasan al alemán cuando se dirigen a los sirvientes; se acumula la tensión y se anuncia el estallido de la revolución.

Además destacan el uso depurado de los ruidos, el vestuario, los objetos, la partitura sonora, los encuadres y la composición de imágenes.

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