This Month

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Desde sus inicios, el Museo Guggenheim Bilbao ha ido desarrollando una colección de significativas obras de arte, partiendo de la segunda mitad del siglo xx hasta llegar hasta nuestros días.

De entre las que en la actualidad conforman estos fondos, algunas destacan por ser iconos de la contemporaneidad, obras que cuando se mostraron por primera vez no dejaron al público indiferente y que, con el paso del tiempo, han afianzado su posición convirtiéndose en auténticos referentes del arte contemporáneo.

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao brinda al público la oportunidad de contemplar una selección de estas piezas, en la que destacan, por ejemplo, la icónica imagen de Marilyn Monroe repetida una y otra vez por Andy Warhol, frente a la expresividad que domina el gran lienzo serigrafiado de Robert Rauschenberg Barcaza, o los Nueve discursos sobre Cómodo de Cy Twombly.

El artista alemán Anselm Kiefer o el estadounidense Jean-Michel Basquiat, también están presentes en esta muestra con trabajos destacados, mientras que las esculturas de los maestros vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza se muestran enmarcadas en su contexto internacional.

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NEL GIARDINO INCANTATO. ALEGORÍAS PARA UNA FIESTA EN EL JARDÍN DE UNA VILLA FLORENTINA.

En la primavera del 2022 recibí el encargo de realizar una serie de imágenes alegóricas en forma de cartuchos recortados de inspiración manierista para utilizarlos como escenografía efímera en una fiesta que unos coleccionistas suizos, amantes tanto del arte clásico como contemporáneo, organizaban en los jardines de su Villa Palazzo a las afueras de Florencia.

El acontecimiento, que estuvo organizado por la compañía internacional de eventos Le Basque Europa afincada entre Miami y Bilbao fue todo un éxito. Alejandro Muguerza, su director artístico y uno de los propietarios de dicha compañía fue el creador del proyecto.

La idea de la escenografía efímera ha tenido una evolución fascinante desde que el faraón Ptolomeo II, destacado impulsor de las artes en el Antiguo Egipto, encargase erigir un espectacular pabellón para acoger uno de sus banquetes. Desde sus inicios, este tipo de construcciones estaban al servicio de los poderes políticos o religiosos y las estructuras resultantes solían ser un ejercicio de exuberancia, una exaltación de la riqueza o una muestra camuflada de autoridad.

La escenografía efímera se consolidó durante el Renacimiento y vivió su apogeo en el Barroco, cuando artistas como Bernini diseñaron, como una faceta más de su creación artística, numerosas construcciones perecederas con motivo de las celebraciones importantes del momento. Es el caso del cuadro que Giovanni Paolo Panini pintó en 1731 de la Piazza Navona de Roma engalanada con los preparativos para celebrar el nacimiento del Delfín. Es por ello que elegí esta obra como base para uno de los fotomontajes que forman esta exposición: Romería en Piazza Navona.

A pesar de su naturaleza temporal, este tipo de obras no tienen por qué ser más sencillas o de peor calidad que cualquier otra diseñada para permanecer en el espacio y el tiempo. En realidad, son proyectos que exigen una larga elaboración y complejidad. Dicho esto, empujado por mi inclinación a sacar el mayor partido posible a mis esfuerzos y mi tiempo, decidí aprovechar todo aquel trabajo con el que transformamos los jardines de una villa florentina para crear obras que sortearan su inicial concepción de fugacidad y perduraran en el tiempo.

Con estos antecedentes en mente, recibí recientemente una propuesta desde la galería Juan Manuel Lumbreras para crear una nueva exposición para esta sala. Pensé de inmediato en aquellos elementos previamente concebidos para el festejo en Florencia, decidí crear nuevas obras relacionadas con aquel tema y consideré, además, que utilizar el formato de instalación sería el más adecuado para este proyecto.

Pocos meses antes de mi primera visita a aquella Villa Palazzo, Rusia había invadido Ucrania y a los propietarios les pareció oportuno hacer una acción benéfica para recaudar fondos y destinarlos a las víctimas del conflicto bélico. Así, lo que iba a ser una celebración para amigos se convirtió también en un acto solidario en contra de la guerra. Este pensamiento también me guio a la hora de crear esta nueva exposición y comencé a realizar una serie de foto montajes, a los que he bautizado como ‘fresco-montajes’, donde militares uniformados invaden paisajes bucólicos de tradición clasicista y que completan la muestra.

Durante los numerosos viajes que realicé para preparar el evento, aproveché para visitar diferentes ciudades italianas y fotografiar con mi cámara de alta definición sus correspondientes monumentos cargados de frescos y pinturas. Todo este material me ha servido de base para la realización de las series de ‘fresco-montajes’ que se presentan en este catálogo.

El programa iconográfico de estas obras se divide en dos partes:

Por un lado están los grandes cartuchos alegóricos que estructuran y recorren el espacio expositivo, como si de un Giardino Incantato cargado de alegorías se tratara. El imaginario elegido es una mezcla de personajes mitológicos, alegorías relacionadas con los ciclos de la naturaleza y alguna que otra invención de mi cosecha.

Por otro lado, las obras de menor formato que cuelgan de las paredes no hacen solo referencia a la destrucción que acarrea toda guerra, son también una reflexión sobre el desinterés por la tradición que impera en el mundo del arte actual, tradición que ciertos sectores del arte contemporáneo, voluntaria o involuntariamente, parecen querer cargarse.

Sirviéndome de los últimos avances tecnológicos en impresión digital, y con la colaboración del Laboratorio para el Arte Estudios Durero, he podido crear esta serie de obras de excelente calidad técnica. La tirada de cada pieza es de 7 ejemplares.

Espero que disfruten de esta muestra tanto como yo lo he hecho al crearla.

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Nerea Pinedo

Nerea Pinedo (Leioa, 1999), es la primera de los cuatro artistas que expondrán en la galería, esta temporada 2022/2023, dentro de nuestro proyecto JOVEN LLAMA JOVEN.

«Las obras están en constante movimiento, como las ideas. Pretendo representar ese sentimiento, parecido a las olas con un oleaje que no cesa. Ese oleaje de pinceladas de colores que se funden y se entremezclan generando así pequeñas melodías. Siempre en busca de encontrar una nueva imagen, capa sobre capa, hasta encontrar un equilibrio entre ellas.

No hay nada concreto, es más un sentimiento, un sueño o un paisaje surrealista. Aparecen pequeñas figuras protagonistas y éstas se superponen entre sí, jugando a ver cuál de ellas tiene el papel principal.

Estas figuras se mueven como las olas y una hace fuerza y mueve a la otra haciendo así un oleaje incesante, un acumular de sucesos. Dentro de este oleaje siempre hay una zona en la que los muros hacen que las aguas se calmen, creando zonas tranquilas en las que el hueco toma el protagonismo y genera armonía entre todos los elementos.»

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El Festival de Teatro de Santurtzi presenta su 43ª edición que nos brinda una nueva oportunidad de vivir las artes escénicas.

Del 3 de noviembre al 3 de diciembre, el teatro Serantes brillará con la puesta en escena de 18 espectáculos, en los que el humor, la tragedia griega transformada en comedia, la música, las artes circenses…nos acompañarán.

Los precios de las entradas de los espectáculos son muy asequibles y van desde los 4 a los 18 euros.

Además, se ha puesto a la venta un Abono para todas las obras de sala, salvo la infantil y la de euskera, que cuesta 120 euros para el público general (110 euros para socios/as).

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En algún momento de este año has tenido que escuchar el nombre de Rigoberta Bandini. Pudo haber sido mencionado por tus amigos, por tus padres, por tus jefes, o incluso, por tus abuelos y es que la música de la artista catalana, si por algo se caracteriza es por ser universal. Himnos reivindicativos, feministas, divertidos, nostálgicos… No hay una sola vertiente de Rigoberta Bandini, sino que todas confluyen en una misma cercana dirección con la que todos podemos identificarnos. Así, su alter ego es como el personaje de ficción favorito con el que fácilmente simpatizas y quieres que gane en la vida.

Su fresca discografía incluye temas como el ya clásico Ay Mamá que ha conquistado a millones de personas con su potente y pegadizo estribillo. Otras canciones se tintan de humor como In Spain We Call It Soledad o se apropian del rol de rompecorazones estereotípicamente masculino como A Todos Mis Amantes. Aunque la cantante siempre deja un hueco para composiciones más reflexivas como Too Many Drugs o su nuevo single con Amaia, Así Bailaba.

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Un nuevo trabajo brillante, generoso y abundante, que se suma a los imprescindibles de su repertorio.

Jorge Drexler presenta su nuevo álbum, Tinta y Tiempo. Este será su decimocuarto disco de estudio y llega cuando se cumplen 30 años del lanzamiento de su primer álbum. Tres décadas de canciones que siguen sumando al imaginario del uruguayo, que destaca especialmente por la conexión con el público en sus conciertos realizados por todo el mundo.

Cuando Jorge Drexler comenzó a gestar este disco, nunca pensó todo lo que vendría detrás. Las primeras canciones comenzaron a salir durante el confinamiento, donde la incertidumbre y la dificultad se habían convertido en lo cotidiano. Sin embargo, el cantante y compositor uruguayo consiguió resolverlo trasladándose a un universo lleno de luz. Así nace Tinta y Tiempo; un trabajo brillante, generoso, abundante, llamado a convertirse en un imprescindible de su repertorio. Además de poder disfrutar del nuevo repertorio, seguro podremos escuchar canciones de discos anteriores.

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Luis ha encontrado la casa de sus sueños pero tiene un «pequeño» inconveniente: Lola, la octogenaria dueña, tendrá que vivir ahí hasta el día de su muerte, presumiblemente pronto porque fuma, bebe y ha sufrido dos infartos. Así que Luis compra y espera a que llegue «el gran día».

Pero ya sabemos que los acontecimientos no se desarrollan siempre tal y como uno los había planeado. En primer lugar, Lola sigue gozando mes tras mes de una envidiable salud. Y segundo, y más grave, la propia vida de Luis es la que empieza a desmoronarse, con nuevos y sorprendentes acontecimientos.

Entre ambos, tan distintos y tan parecidos en su soledad, surgirá una amistad plagada de risas, ternura, emoción y complicidad.

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En MOOR KRAD no hay mentiras, ni dobles morales, ni vidas paralelas. Aquí, todo lo que es, sale a la luz.

MOOR KRAD trata de sacar a la luz la sombra que todos y todas poseemos. Esos aspectos de nosotros mismos que por varias razones vamos reprimiendo a lo largo de nuestras vidas y guardamos en el cuarto oscuro de nuestra personalidad, como si no formaran parte de nosotros. Los personajes que habitan este páramo son conscientes de que tienen un lado oscuro y que éste a su vez completa las personas que son. Por ello no tratan de esconder sus contradicciones, y se muestran tal y como son.

En MOOR KRAD no hay mentiras, ni dobles morales, ni vidas paralelas. Aquí, todo lo que es, sale a la luz. Si bien nacemos puros, pasamos gran parte de nuestra infancia y juventud decidiendo qué partes de nosotros mismos debemos meter en un saco para complacer a los demás y ser aceptados; el resto en cambio lo ocupamos tratando de vaciarlo…

La danza contemporánea es el lenguaje principal de este espectáculo, en fusión con nuevas técnicas como krump, tutting o danza urbana. Musicalmente, utiliza temas de compositores barrocos como John Dowland y Henry Purcell actualizados a través de la electrónica de los músicos Iñar Sastre y Marc Kanou, y cantados en directo por Iosu Yeregui.

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Adaptación de una de las grandes comedias del siglo XX, símbolo de la fuerza del teatro para desarmar el horror.

Varsovia, agosto de 1939. La Compañía teatral del matrimonio Tura se instala en un teatro para ensayar ¡Gestapo!, un obra que satiriza la amenaza mundial que suponen Hitler y el nazismo. A la vez, representan Hamlet, cuyo verso “ser o no ser” será la clave de un affaire extraconyugal. Pero los problemas se les multiplicarán en todos los órdenes: las autoridades polacas prohíben estrenar ¡Gestapo! Para evitar represalias de Hitler; lo que no impedirá que Alemania invada Polonia. Con el teatro semidestruido por los bombardeos como centro de operaciones, los actores de la Compañía tendrán que ingeniar una doble trama teatral, de guardarropía y suplantación, para desactivar la entrega de un documento que acabaría con la Resistencia y para huir de Polonia a Inglaterra, tierra de Shakespeare. Esto supone que sean ellos mismos quienes, en un alarde interpretativo, se hagan pasar por nazis. En medio de esta peripecia, los Tura tendrán que solventar la irrupción en su matrimonio de un joven aviador de la R.A.F., que ha convertido su vida conyugal en un vaudeville: aún más teatro.

Ser o no ser es una de las grandes comedias del siglo XX. Originalmente, fue una película dirigida por el maestro Ernst Lubitsch y estrenada en 1942, por United Artists, en plena Segunda Guerra Mundial y apogeo del nazismo, lo cual subraya el valor de su argumento e intenciones: demostrar la fuerza y resistencia del teatro para desarmar la mentira y el horror; en este caso del nazismo, y hacerlo a través del poder disolvente de la mejor comedia. Ser o no ser trata del teatro y de los cómicos, y es una obra trepidante, repleta de giros sorprendentes.

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Homenaje a la Generación del ’27

Lagartija Nick en directo rinde homenaje a la conocida como Generación del 27 de la mano de Federico García Lorca, José Val Del Omar y Luís Buñuel. No obstante, también supone un homenaje al cine y a su nacimiento con el siglo XX. Un homenaje que va más allá de los creadores y creativos de la época, lo es también al arte de capturar la luz y convertirla en narración, en poesía.

Se combina una pantalla central en la que se proyectan contenidos originales editados especialmente para cada momento del concierto ,con una instalación de proyectores de 8 mm distribuidos sobre el escenario. No hay más fuentes de luz, todo emana de estos antiguos aparatos con sus tintineantes texturas lumínicas.

Este aparente caos se convierte en discurso mediante un sistema de obturadores controlados desde una consola de iluminación, para poderseleccionar en cada momento qué aparatos proyectan y cuáles de ellos están en oscuro. El control de los obturadores nos permite convertirlos proyectores en espartanos aparatos de iluminación convencionalal servicio de las dinámicas del concierto.

Un proyeccionista transita por el espacio escénico a cargo de losproyectores, arrancando o parando aparatos y cambiando las bobinas cuando estas se han acabado. Forma parte de la pieza, del homenaje al oficio.

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A lo largo de sus más de 15 años de carrera musical, Vanesa Martín ha levantado pasiones entre un público que sigue fielmente sus pasos y al que ha ido cautivando a base de canciones vitales, cálidas, emotivas y directas. Sus conciertos, a base de sensibilidad y energía, son una muestra perfecta de su insólita capacidad de comunicación con sus seguidores, una conexión de corazón a corazón.

La cantautora malagueña ofrece en sus conciertos una cuidada selección de sus mejores temas, aquellos que cuentan la vida en forma de canción, historias universales que la han convertido en una de las artistas más solicitadas por artistas españoles, europeos y latinoamericanos que esperan con ilusión grabar una colaboración conjuntamente.

Vanesa Martín cultiva sus facetas de compositora, poeta y cantante con una mezcla equilibrada de pasión y sensibilidad. Sus 7 álbumes de estudio han cosechado numerosos éxitos de crítica y ventas, posicionándola como una de las mejores voces de nuestro panorama musical.

Presentará su último trabajo ‘Siete veces sí’, así como de aquellas canciones que la han convertido en una estrella de la canción de autora como ‘El tren de la cordura’, ‘Perdiendo el equilibrio’, ‘Sin saber por qué’ o ‘De tus ojos’.

Una oportunidad excepcional para disfrutar del mejor momento profesional de una de las compositoras más completas. Compra tus entradas para la gira y escucha y siente a Vanesa Martín.

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Siguiendo la tradición y el espíritu del ballet clásico, esta suntuosa producción del Ballet Clásico de Ucrania captura toda la belleza y el drama del auténtico ballet romántico, un clásico de todos los tiempos que llama a todas las generaciones.

En cada una de las presentaciones, la motivación principal del Ballet Clásico de Ucrania es cuidar las tradiciones y esencia del ballet clásico más puro, haciendo de ellas un festejo para los sentidos con el encanto de sus vestuarios y la vistosidad de sus decoraciones; generando un equilibrio fascinante con la perfección de sus líneas y la sobriedad de sus coreografías.

Con los mejores bailarines ucranianos dirigidos por la coreógrafa Natalia Kazatska, el Ballet Clásico de Ucrania, recrea con singular maestría las obras claves del ballet universal. Esta compañía emergente con sede en la ciudad de Járkov, un verdadero referente de este género, es la encargada de llevar a escena obras maestras como El Lago de los Cisnes, El Cascanueces, Giselle, La Bella Durmiente, etc.

Este ballet, uno de los más conocidos de Tchaikovsky con la coreografía original de Lev Ivanov, es una fábula de espíritu navideño que habla de la añoranza por la infancia perdida y el choque entre la realidad de los adultos y el mundo de los sueños de los niños.

El libreto pertenece a Marius Petipa que deriva de un texto de Alejandro Dumas que se inspiró a su vez en el célebre cuento de E.T.A. Hoffmann El cascanueces y el rey de los ratones.

La inocencia, la belleza interior y la valentía son los ejes de El Cascanueces. Una fantasía que nos regala el Ballet Clásico de Ucrania y que entretiene y deleita a quien todavía sigue creyendo en la magia.

Durante su amplia trayectoria, el Ballet Clásico de Ucrania ha realizado numerosas y exitosas giras recorriendo los mejores escenarios de Europa.

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Recorrido por la música que ha conformado la trayectoria vital de la gran soprano tolosarra.

Ainhoa Arteta vuelve a sus raíces en un recorrido por la música que ha conformado su trayectoria vital. Para ello, en este viaje toma como punto de partida la canción en euskera y se acerca a los compositores que han dejado una impronta musical en la cantante, desde su infancia hasta el momento actual. Junto a Ainhoa, Javier Carmena acompaña a la artista de Tolosa en esta travesía por la canción tradicional, el folklore local y la recuperación de las raíces y el espíritu de la tradición ancestral.

El público se sumergirá en una música cargada de significado, recuerdos e imágenes sonoras que evocan nuestra tierra, la tierra en la que Ainhoa creció, con la que mantiene un fuerte vínculo emocional y que forma parte indivisible de su carrera y de su historia.

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Circo, ilusionismo, danza, música en un espectáculo para toda la familia.

Inventio es un espectáculo familiar de gran formato en el que conviven la comedia y el drama, la danza, el ilusionismo y las artes circenses. Inventio es un viaje, un camino de regreso a la sensibilidad a partir de la tradición y la modernidad.

Con una atmósfera mágica y una puesta en escena futurista, Inventio recupera el paisaje, las costumbres, la música, el arte o la arquitectura de Galicia en un espectáculo delicado y deslumbrante, con un ritmo vertiginoso, en una gran producción con ecos del cine futurista de Stanley Kubrick, Ridley Scott o Denis Villeneuve que no es sino “un viaje hacia todo eso que nos hace humanos: nuestra capacidad de sentir”.

Un viaje sensorial, delicado y cegador, con un ritmo vertiginoso y ecos del cine futurista.

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Después de completar la gira nacional más multitudinaria hasta su finalización, la banda se presenta en un formato que acercará al público a un ambiente más íntimo, en el que se podrán escuchar canciones de su último disco “cada vez cadáver” y los clásicos de la banda, interpretados con un matiz diferente.

Para ello, Fito Cabrales incorpora a los Fitipaldis a Jorge Arribas y Diego Galaz de Fetén Fetén, que, junto a Carlos Raya, Javier Alzola, “Boli” Climent y “Coki” Giménez, completarán la banda que recorrerá durante el otoño e invierno algunos de los teatros y auditorios de nuestro país.

Una ocasión única para ver a Fito & Fitipaldis en un formato muy especial.

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