This Month

Con motivo del 110 aniversario del museo, la exposición 110 Años 110 Obras muestra 110 de las obras más relevantes de la colección del museo con el fin de evidenciar, no solo la gran calidad de la colección del museo, sino también hacer un repaso por la historia de la pinacoteca desde sus orígenes hasta la actualidad. La exposición contará con un ambicioso montaje y un soporte museográfico con el que se podrá profundizar en la imbricación que ha tenido tradicionalmente el museo con la historia del arte y su entorno artístico y social más inmediato. Se organizará en la sala BBK y parte de la sala 32.

Arte y China después de 1989: El teatro del mundo nos presenta las creaciones de un audaz movimiento de arte contemporáneo nacido durante el período de mayor transformación de la historia de la China moderna y del mundo reciente.

Arte y China después de 1989, organizada por el Solomon R. Guggenheim Museum, reúne obras de 71 artistas y grupos clave que han trabajado tanto en China como en el resto del mundo, y cuyas provocaciones aspiran a forjar una realidad libre de ideología, a reforzar el papel del individuo independientemente de lo colectivo y a definir la experiencia contemporánea en China en función de una perspectiva universal.

Enmarcada entre el fin de la Guerra Fría y los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008, la exposición examina la práctica de la experimentación artística en un período caracterizado por el comienzo de la globalización y el nuevo auge de China en la escena mundial. El título de la exposición, El teatro del mundo (Theater of the World, 1993), procede de una instalación del artista Huang Yong Ping, residente en París.

Esta pieza en forma de jaula, que alberga en su interior diferentes especies de insectos y reptiles, constituye una metáfora de la era de la globalización y se inspira tanto en la cosmología china como en las ideas occidentales de la época de la Ilustración sobre el panóptico como estructura de control y en la crítica de la modernidad de Michel Foucault.

Dentro de la segunda edición del Programa de videoarte y creación digital se presentan dos videoinstalaciones que tienen su origen y están inspiradas en el Museo Nacional del Prado y en una de sus obras más emblemáticas.

Negro y Luz es un ensayo fílmico y fotográfico del artista Álvaro Perdices sobre salas y obras del Museo Nacional del Prado. Su narración acontece durante la noche. La oscuridad y la presencia del negro se suceden en monocromías, interrumpidas por la luz que emana de las obras y sus reflejos, mientras se alterna la percepción de lo figurativo, lo abstracto y lo objetual.

Por otra parte, la excepcional obra del Bosco El jardín de las delicias es el punto de partida de la videoinstalación Jardín infinito. A propósito del Bosco del artista Álvaro Perdices y el cineasta Andrés Sanz. La instalación permite experimentar y acercarse al célebre tríptico desde un entorno sensorial y perceptual en el cual el espectador camina y comparte el espacio del Paraíso, el Jardín de las delicias o el Infierno con una multitud de seres y criaturas.

En 1911 se produjo una decisiva ruptura en el trabajo temprano del joven Marc Chagall, consecuencia del contraste de experiencias entre su Bielorrusia natal y la nueva vida de la capital francesa que lo acogió.

Entre 1911 y 1914 trabajó en la urbe parisina creando un conjunto de obras en las que a sus recuerdos de la vida dentro de la comunidad jasídica de Vitebsk se suman iconos de la metrópolis moderna. Las reminiscencias del arte popular ruso se mezclan con los experimentos estilísticos más avanzados que le ofrece la vanguardia, incluyendo a Picasso, Robert y Sonia Delaunay, y Jacques Lipchitz.

En 1914, en su regreso a casa para casarse con Bella Rosenfeld, la primera contienda mundial sorprende a Chagall, confinándole allí durante ocho años, lo que le llevó a una fase de auto-búsqueda que puede verse reflejada en muchas de las pinturas y obras sobre papel de la época. El artista realizó numerosos autorretratos, representaciones de la vida judía y diseños para la puesta en escena de la primera celebración de la Revolución de Octubre que tuvo que organizar como comisario de las artes y director de la escuela de arte de Vitebsk en 1918.

La exposición, originada por el Kunstmuseum Basel, presenta una selección de obras del periodo de mayor evolución artística y personal para Marc Chagall, así como de gran convulsión política. Su núcleo lo constituye un conjunto de destacadas obras procedentes de los fondos del Kunstmuseum Basel, de la Im Obersteg Foundation y de otras colecciones públicas y privadas.

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Women in Love, la mítica película de Ken Russell basada en la novela de D.H. Lawrence, ha servido de inspiración para la próxima exposición de MALOMUYMALO.

Retratos de mujeres que en el momento de ser inmortalizadas estaban enamoradas; enamoradas de otras personas, enamoradas de sus mascotas, enamoradas del arte, enamoradas de la lluvia, enamoradas de la comida vegana o, ¿por qué no? enamoradas de los viajes en el tiempo…

Y llegan a Mongolia Gunea (Aretxaga, 2 Bilbao) el día 7 de junio a las 19 horas, donde estarán expuestas hasta el 21 de julio.

Ellas son, una vez más, las protagonistas de las coloristas obras que habitarán este peculiar espacio dedicado a la moda y al arte a través de retratos muy personales del imaginario de Julián Vallejo.

Más información en su página web

Palabra de Mago es la última producción teatral de Jorge Blass, una reflexión sobre el apasionante mundo de los magos. ¿Son personas honestas?… ¿O unos tramposos? Un espectáculo donde se explora la esencia de la magia, actualizando al siglo XXI el arte de la prestidigitación. Ya no se utilizan conejos o chisteras, sino Ipads y teléfonos móviles. Una experiencia memorable.

Con una puesta en escena actual, empleando proyecciones audiovisuales y un trio de bailarinas completamente reinventadas respecto a las clásicas ayudantes de mago. Lo nuevo de Jorge Blass te dejará sin palabras, magia de grandes ilusiones en las que vivirás una experiencia memorable y alucinarás con su extraordinaria forma de hacer magia.

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El Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Fundación Gondrá Barandiarán y la Universidad de Deusto presentan la primera edición del curso de verano “Museografías. Modos de ver el arte”, que a lo largo de tres jornadas del próximo mes de junio desarrollará un intenso programa académico dirigido por Miguel Zugaza.

El objetivo principal del curso es analizar al más alto nivel diversos aspectos relacionados con las nuevas tendencias de la museografía actual, entendida ésta como el conjunto de prácticas y nuevas narrativas – o “modos de ver”, tal y como expresó en su ya célebre ensayo el escritor John Berger– que se desarrollan en los museos como espacios de conservación, exhibición, estudio y difusión de los bienes culturales.

La matrícula incluye la asistencia al curso, carpeta con documentación, carné que posibilita la visita gratuita individual al museo durante los días del curso y certificado de asistencia o acreditación, expedido por la Universidad de Deusto. La Fundación Gondra Barandiarán ofrecerá 20 becas de asistencia gratuita.

Toda la información está disponible aquí 

José Manuel Mora y Carlota Ferrer vuelven a unirse en esta ocasión para dar forma teatral a este texto fundamental de Pedro Atienza y que es el vehículo perfecto para el regreso a los escenarios, después de casi 30 años de ausencia, del consagrado actor Imanol Arias.

Además de invitar a conocer el mundo del flamenco y sus diferentes palos, La vida a palos cuenta la historia vital de un hombre hecho a sí mismo: El Alcayata (alter ego de Pedro Atienza) y del reencuentro con su hijo, de quien hace tiempo perdiera la patria potestad. A través de toda una serie de monólogos y diálogos, en el texto que escribe JM Mora a partir de los fragmentos de Pedro Atienza, se describen dos viajes. Uno, en el pasado, que es el que el padre realizó a través de las diferentes geografías que fueron marcando su vida y otro, el que ahora lleva a cabo el hijo, visitando los mismos lugares en los que habitó su padre y que le ayudarán a comprender el sentido de su vida.

Un cantaor flamenco acompañará la biografía amorosa y el periplo vital de El Alcayata en su permanente búsqueda del amor ideal, representado en diferentes figuras femeninas: la ecuatoriana Gioconda- el gran amor de su vida; Consolación, una prostituta gitana que intentó envenenarle; también la mujer con la que se casó y madre de su hijo; y finalmente la mujer de la se enamora en Almería, donde se refugia para pasar sus últimos días, y el reencuentro con su hijo.

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Considerada una de las artistas más destacadas de la última década, Joana Vasconcelos trabaja con la escultura y la instalación. Se dio a conocer internacionalmente en la Bienal de Venecia de 2005 donde presentó La novia y en el año 2012 expuso una selección de sus creaciones en el Palacio de Versalles, convirtiéndose en la primera mujer en presentar su obra en este palacio barroco.

Los trabajos de Vasconcelos —algunos de gran complejidad técnica— se mueven, tienen sonido o se iluminan, cuestiones que la artista resuelve en su estudio de Lisboa con un numeroso equipo de colaboradores. Para realizarlos, Joana Vasconcelos utiliza muy diversos materiales de la vida cotidiana, como electrodomésticos, azulejos, tejidos, cerámica popular, botellas, medicamentos, urinarios, duchas, utensilios de cocina, teléfonos, coches o cuberterías de plástico. Con ellos construye imágenes impactantes, lúdicas y directas, que se refieren a asuntos sociopolíticos relacionados con las sociedades consumistas, poscoloniales y globalizadas, abordando desde la inmigración a la violencia de género.

Su obra incorpora siempre el sentido del humor, sugiriendo además significados abiertos y no dogmáticos, aproximándose, al demandar la participación del espectador en su interpretación y visionado, a las llamadas estéticas relacionales surgidas a finales de los noventa.

Rica en referencias externas, desde Louise Bourgeois a la cultura popular, de la orfebrería a la moda, de la artesanía a la ingeniería más avanzada, su obra trata entre sus temas principales la cuestión de la identidad, en todas sus dimensiones, reflexionando sobre su condición de mujer y de artista portuguesa y también europea.

Los Secretos cumplen 40 años de vida. Una vida cuyo paso ha dejado una profunda huella en la memoria de varias generaciones. Pues más que parte, ellos son la propia historia del pop nacional. Protagonistas del mítico concierto de Caminos, principio de la Movida, la banda madrileña ha superado el tiempo, las altas y bajas de la industria e incluso la triste desaparición de tres de sus miembros, entre ellos el inolvidable e irrepetible Enrique Urquijo.

A pesar de todo ello, Los Secretos han mantenido siempre el mismo espíritu, la misma pasión. Fuera de modas y tendencias, han sabido conservar un estilo y un sonido único, defendiendo y engrandeciendo con los años, un repertorio que hoy por hoy se ha ganado un lugar privilegiado en el libro de honor de la música española.

Una gira donde se volverán a encender canción a canción 40 años de historia. Toda una vida a nuestro lado, al lado de miles de seguidores que hemos crecido, soñado y amado con la música tan personal como imperecedera de nuestros más queridos Secretos.

Bilbao será el lugar elegido por Vetusta Morla para finalizar su gira Mismo Sitio, Distinto Lugar, presentando su cuarto trabajo discográfico con el mismo título. En la Explanada del Museo Guggenheim el próximo día 30 de junio, los asistentes descubrirán el sonido de su último álbum, al igual que éxitos de la banda como Maldita Dulzura, Cuarteles de Invierno o Valiente.

El grupo de rock madrileño, Vetusta Morla, presentará su último trabajo, Mismo Sitio, Distinto Lugar, a lo largo de su gira española durante 2018.

Cuatro discos de estudio, un libro autobiográfico e, incluso, la banda sonora del videojuego Los Ríos De Alice, convierten a Vetusta Morla en uno de los grupos más importantes en el ámbito nacional, y sus dos discos de Oro y Platino les confirman también como un referente español a nivel mundial.